GUÍA DE LECTURA: LUCES DE BOHEMIA
1.
EL AUTOR
Ramón María del Valle-Inclán nació en Villanueva de Arosa
(Pontevedra) en 1866 y murió en Santiago de Compostela en 1936. Fue una de las
personalidades más interesantes de la generación del 98. Comenzó la carrera de
Derecho, pero antes de finalizar sus estudios marchó a México. De regreso, en
Madrid lleva una vida bohemia; tras una disputa con un periodista hubo de
amputársele el brazo izquierdo. Su fama va creciendo, tanto por su arte como
por multitud de anécdotas de su vida excéntrica. En 1907 se casa con la actriz
Josefina Blanco, de la que se separa en 1933. Su dedicación a la literatura es
absoluta. Fue nombrado presidente del Ateneo de Madrid y director de la Academia de Bellas Artes
de Roma.
En palabras de Ramón Gómez de la Serna, Valle-Inclán fue “la
mejor máscara a pie que cruzaba la calle de Alcalá”. Su figura era
inconfundible: manco, con melenas y barbas largas, con capa, chambergo y
chalina. Pero, por debajo de su excentricidad bohemia, se oculta, de un lado,
un violento inconformismo y, de otro, una entrega rigurosa a su trabajo de
escritor en permanente persecución de nuevas formas.
2.
SU OBRA
La producción de Valle-Inclán es considerable y variada:
novelas, cuentos, teatro, poesía... En todos estos géneros observamos una
singular evolución de un Modernismo elegante y nostálgico a una literatura
crítica, basada en una feroz distorsión de la realidad. Entre sus primeras
obras destacan libros de relatos, como Corte de amor y Flor de
santidad, ambientados en su Galicia natal. Su producción cumbre de esta
primera etapa son las Sonatas (1903-1905) (Sonata de otoño, Sonata de
estío, Sonata de primavera y Sonata de invierno), compuestas en una
prosa rítmica, refinada y rica en efectos sensoriales. A las Sonatas le
sigue el ciclo de las Comedias bárbaras: Águila de blasón (1907), Romance
de lobos (1908) y Cara de plata (1922), ambientadas en el mundo
rural gallego. La evolución estilística se acentúa en la trilogía La guerra
carlista (1908-1909). En la línea modernista escribe su libro poético Aromas
de leyenda (1907). El año 1920 es una fecha capital en la trayectoria del
autor; en ese año publica cuatro obras decisivas: Farsa italiana de la
enamorada del rey, Farsa y licencia de la Reina Castiza,
Divinas palabras y Luces de bohemia. La deformación esperpéntica
está ya presente en estas obras, sobre todo en las dos últimas, pero es Luces
de bohemia, la primera a la que Valle-Inclán da el nombre de esperpento. En
los años siguientes escribe tres esperpentos: Los cuernos de don Friolera (1921),
Las galas del difunto (1926) y La hija del capitán (1927),
recogidos luego bajo el título de Martes de carnaval. Entre las novelas
de la última época destacan Tirano Banderas (1926), sobre un
supuesto dictador americano, y la trilogía El ruedo ibérico, una
violenta sátira política de los tiempos de Isabel II.
3.
EL ESPERPENTO
Con este nombre
(cuyo significado habitual era “persona o cosa extravagante, desatinada o
absurda) designa el autor a esas obras suyas en las que lo trágico y lo
burlesco se mezclan. Su mejor definición se hallará en la escena XII de Luces
de bohemia: “Nuestra tragedia no es una tragedia”. La tragedia es un género
demasiado noble para el panorama que le rodea: “España es una deformación
grotesca de la civilización europea”; por eso, “el sentido trágico de la vida
española solo puede darse con una estética sistemáticamente deformada”. Y así,
de la imposibilidad de la tragedia surge el esperpento. La índole de esa
estética deformante es ilustrada con la referencia a los espejos cóncavos que
decoraban la fachada de un comercio en la llamada calle del Gato, en Madrid:
“Los héroes clásicos, reflejados en un espejo cóncavo, dan el esperpento (…).
Las imágenes más bellas, en un espejo cóncavo, son absurdas”. En los
esperpentos aparecen personajes marginales o fantoches grotescos. El autor se
complace en degradar la realidad y en agredirla con una carcajada que no
perdona a personas, instituciones o mitos, pero que en el fondo oculta no pocas
veces el llanto. El estilo es desgarrado, agrio aun en su humor, de
incalculable fuerza crítica.
Mención especial merecen las acotaciones, tan literarias
como el diálogo mismo.
4.
GÉNESIS Y TEMA
La obra cuenta la última noche de la
vida de Max Estrella, poeta miserable y ciego. Valle se inspiró en la figura y
en la muerte de su amigo Alejandro Sawa, novelista bohemio, casado con una
francesa y asiduo a los círculos modernistas; murió miserable, ciego y loco en
1909. Pero, a partir de esta figura real, Luces de bohemia cobra unas
dimensiones que trascienden ampliamente la anécdota del fracaso y la muerte de
un escritor mediocre. La obra se convierte en una parábola trágica y grotesca
de la imposibilidad de vivir en una España deforme, injusta, opresiva, absurda;
una España donde no encuentra sitio la pureza, la honestidad o el arte noble.
5.
ESTRUCTURA
Luces de
bohemia prescinde de la división en actos y se compone de 15 escenas, que
pueden estructurarse de la siguiente forma:
1)
Un preludio: escena I (Max en su casa: anhelo de morir)
2)
Un cuerpo central de la obra: la peregrinación de Max por la noche
madrileña. Son las escenas II-XI, que, a su vez, se repartirían en dos etapas
iguales y simétricas:
1ª.
Escenas II-VI: hasta la estancia de Max en el calabozo con el obrero catalán.
2ª.
Escenas VII-XI: desde su salida de la cárcel hasta la muerte del obrero
catalán.
3) El final de la
peregrinación: escena XII. Max vuelve a
su casa y muere. Por otra parte, es la escena en que se expone la conocida
“teoría del esperpento”.
4) Epílogo: escenas XIII-XIV. Se lleva a cabo aquel suicidio
“anunciado” al principio de la obra.
6.
PERSONAJES Y FANTOCHES
Un denso mundillo humano puebla la
obra: en ella aparecen más de 50 personajes.
Max
Estrella es
un personaje complejo; dista de ser una figura noble, pero alcanza momentos de
indudable grandeza. En él se mezclan el humor y la queja, la dignidad y la
indignidad. Junto a su orgullo, tiene amarga conciencia de su mediocridad.
Destaca su creciente furia contra la sociedad y, a la par, su sentimiento de
fraternidad hacia los oprimidos.
Don
Latino, en cambio, es un gran fantoche.
Es una caricatura de la bohemia y, a la vez, un tipo miserable por su
deslealtad y su encanallamiento, tal como se ve, sobre todo, en las últimas
escenas.
Los demás fantoches del esperpento forman diversos grupos. Especialmente
mordaz es la caricatura de los burgueses (el librero Zaratustra, el tabernero
Pica Lagartos, algunos defensores del orden de las escena XI) o la de los
policías (el capitán Pitito, Serafín el Bonito, los “guindillas”...), además de
la caricatura del Ministro. También quedan ridiculizados los pedantes como don
Gay, el periodista don Filiberto, Basilio Soulinake, etc., pero especialmente
los epígonos del modernismo. Esperpentizados quedan también personajes
populares, como la Pisa-Bien,
el “Rey de Portugal”, la portera, las prostitutas o los sepultureros (parodia
de los de Hamlet).
Caso especial serían las figuras de
Rubén Darío y Bradomín, contrapunto de vida y literatura refinadas dentro del
esperpento.
7.
ESTILO
La deformación y la distorsión de la
realidad está en la base del esperpento. La deformación paródica no retrocede
ante nada, pues se esperpentiza incluso la muerte. La degradación de los
personajes se manifiesta por los frecuentes rasgos de animalización,
cosificación o muñequización; los hombres se transforman en “perros”,
“camellos”, “cerdos”, etc.; o en fantoches o peleles. Mención especial merecen
las acotaciones, en las que, con pinceladas rápidas e insuperables, se dibujan
a los personajes o se comentan sus actitudes.
En cuanto al lenguaje, asombra su
riqueza y la variedad de registros empleados (lenguaje pedante o cursi,
expresiones formularias o administrativas, vulgarismos, giros del habla
madrileña castiza, etc.). También destaca el arte de las acotaciones.
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